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DIEUDONNÉ NIANGOUNA. Rites et Rythmes

  Stage conventionné AFDAS 

 

 

Je fais ce stage parce que j’aime le monde et la vie possible sur la terre.
Parce que j’aime les cultures et les traditions quand elles apportent un supplément d’âme à ce que nous sommes afin de continuer le plus beau geste de la vie : vivre en se questionnant à travers nos rites et rythmes de vie.
Parce que la force du théâtre est une grande lumière contre l’obscurantisme et les propagandes qui tuent la vie et prônent la mort de la vie…
Dieudonné Niangouna

 

Objectifs Pédagogiques :

Comment s’inspirer des rêves pour créer une partition dramatique, les rêves étant les matrices du poème d’où l’acteur va cheminer ?
Comment faire parler son corps, tant dans la solitude que choralement ?
Comment convoquer son corps à l’appropriation consciente de cette matière, oser s’aventurer, se laisser entraîner, pour inventer des voies de dramaturgies singulières.
Tel est le chemin proposé ici à « l’acteur créateur » :
– partir de la zone la plus sombre et indécise afin de dessiner concrètement sur scène les contours mystiques d’une interprétation.
– raccorder le processus narratif qu’il établit et l’émanation de son geste à son profond désir de trouver la clé des songes.
Le fait de déverrouiller les mystères visera non pas à les rendre profanes mais à raconter de façon théâtrale la multiplicité des possibilités rationnelles qu’ils enferment :
« L’acteur est cet organe qui libère les songes. Il doit rentrer dans une forêt noire avec pour seule boussole la lumière de son corps : corps étranger face à la matière, esprit troublé par l’incompréhension des mystères, désir inassouvi de jouer le jeu de Prométhée.
Il est « Un » mais divisible. Rebelle à toute vanité du langage mais perméable aux univers incertains pour transcender, non expliquer par son « je » la raison de son transport.
Et sorti de la forêt l’acteur devient le chœur, le coryphée et l’élément activant de la fable qui nous est racontée par lui-même. »
Dieudonné Niangouna invite ainsi à aborder la notion du générateur-corps-orchestre où l’acteur accomplit la fabuleuse alchimie du rite et des rythmes.

Programme/ Dramaturgie de l’indicible :
Conçu en trois étapes de travail, le stage Rites et Rythmes se déroulera suivant les intitulés de trois mouvements dramaturgiques : Sillage, Laboratoire et Guérison.

SILLAGE :  première étape de travail qui va durer trois jours; parle du passé conséquent et des songes marquants. Il est constutué de récits de rêves que vont apporter chaque participant. Ces rêves doivent être racontés par leurs géniteurs, les particpants à l’atelier, puis écrits par eux-mêmes sous ma direction et rapportés à nouveaux dans une sorte de débats entre la parole rêvée et la parole écrite. À ces rêves vont s’ajouter les références mythologiques et réelles d’un passé proche pour ne pas dire d’un présent emprunté de chaque participant.
LABORATOIRE : Ici on est dans un temps de recherche pour trouver le médicament nécessaire à notre condition actuelle d’humain sous peau de peur pour ne pas dire suppot de peur : La Confiance. L’esprit de ce laboratoire est tout simplement poétique et non scientifique. Ici nous rentrons dans une zone de turbulence émotionnelle. Cette longue recherche est basée sur les sensibilités pour prouver ce qui fait peur en nous afin de déjouer les mécanisme du sillage et d’inventer la raison Shakespearienne du TO BE OR NO TO BE. Par une série d’exercice l’acteur se met en scène et trouve sa propre bête et son petit ange dans le même corpus, celui de son rêve, et l’actionne comme étant une seule et même identité.Cet étape durera cinq jours.
GUERISON : François de La Rochefoucauld disait « qu’on peut tomber de la montagne et se relever. » La rédemption est là. Devrons nous nous laisser mourir ou renaître de nos cendres comme le phénix? L’enjeu dans cette dernière partie est de sagement prôner le courage poétique de l’utopie, d’inventer une dimension réelle de l’homme, de pouvoir la porter et de parvenir à l’assumer non sans la critiquer incessamment. C’est l’étape de la transcendance de sa fable dans un espace pluriel où d’autres fables se racontent. Comment tenir sa fable en l’articulant à d’autres. Partager un espace commun de fables différentes et trouver une dramaturgie qui les fait raconter toute en une fable arc en ciel. Une grande fresque humaine. C’est à cette étape définitive qu’on joint tout les rêves des participants pour opérer une alchimie de sens et d’émotion qui donnerait un texte, un jeu qui est fait de « je » au pluriel, une mise en scène partagée entre le directeur de l’atelier et les participants.

Téléchargez le Programme complet du stage Rites et Rythmes


 

Dieudonné Niangouna

Né en 1976 à Brazzaville (République du Congo), Dieudonné Niangouna est comédien, auteur, metteur en scène. Rien ne décrit mieux l’écriture de Dieudonné Niangouna que le nom de la compagnie : Les Bruits de la Rue. Son oeuvre littéraire se nourrit en effet de la rue, reposant sur un langage explosif et dévastateur, à l’image de la réalité congolaise.
À ses compatriotes, comme à tous les spectateurs qu’il rencontre bien au-delà des frontières du Congo-Brazzaville, il propose un théâtre de l’urgence, inspiré d’un pays ravagé par des années de guerre civile et par les séquelles de la colonisation française. Un théâtre de l’immédiateté, dans une société où il faut résister pour survivre quand on est auteur et comédien. Un théâtre protéiforme qui fait appel à la langue française la plus classique comme à une langue populaire et poétique, nourrie de celle du grand écrivain congolais Sony Labou Tansi. Conscient de la triple nécessité pour le langage théâtral d’être à la fois écrit, dit et entendu, Dieudonné Niangouna se sert d’images et de formules empruntées à sa langue maternelle et orale, le lari, pour inventer un français enrichi et généreux, « une langue vivante pour les vivants ».
Formé par Massengo mâ Mbongolo, il commence le théâtre dans les années 90 avec les compagnies de Brazzaville : Cie Kongo dia Ntotéla, Cie Salaka, Cie Rideau de Lianes, Cie Deso, et le Théâtre d’Art africain.
En 1997, il est reçu à l’école des Beaux Arts Paul Kamba de Brazzaville en section Arts Plastiques.
Il participe aux stages et ateliers animés par : Gaël Leborne et Zoë Heller (en 1994), Bernard Sallé (1995), Jean Paul Delore (1996), Éric Mampouya (1996), Matondo Kubu Turé (1997) Nicolas Bissi (1998), Mwanbaye Kalenguaye et Laurent Dilandwa (de la RDC, 2000), Vincent Mwamba Chaka (de la Centrafrique, 2000), Jacques Livchine et Hervé Delafont (2001), Hami Hattab (2001).
En 2005, il fait partie des quatre dramaturges africains présentés en lecture à la Comédie Française.
En 2013, Dieudonné Niangouna est artiste associé au Festival d’Avignon.
De 2014 à 2017 Dieudonné Niangouna est artiste associé au Mousonturm Théâtre de Frankfort ( Allemagne)
En 2015 il est lauréat du prix littéraire des Lycéens en île de France avec sa pièce M’appelle Mohamed Ali.
En 2016 sa mise en scène Nkengueg est présenté au Théâtre Gérard Philipe, pour le Festival d’Automne. La même année il dirige un stage à ARTA La scène comme poétique de l’indicible.
En 2017 est sur scène avec Antoine m’a vendu son destin au Théâtre National La Colline.

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NABIH AMARAOUI. Shakespeare/ Racine : théâtre-danse

  Stage conventionné AFDAS 

Avec la collaboration de Jean-François Dusigne

La Danse-Théâtre est l’espace dans lequel nous chercherons cette et/ou ces danses qui habitent chaque interprète, chaque personnage, chaque parole : l’Acteur-Danseur.

 

Objectifs Pédagogiques :
L’objectif de ce stage est de confronter Le marchand de Venise, de Shakespeare, Bérénice de Racine, dans l’optique d’aborder les enjeux de la construction des personnages dans le contexte des dramaturgies contemporaines non classiques.
Il s’agit d’un travail où se conjuguent tout à la fois maîtrise (vocale, physique et chorégraphique) et créativité, dans une série d’exercices pratiques concourant à la mise en jeu dynamique de textes.

Il s’agira d’abord d’éprouver concrètement – à travers des exercices – le fonctionnement des écritures singulières de Shakespeare et Racine. On commencera par explorer et expérimenter le souffle et rythme de l’écriture.

La Danse-Théâtre : une transversalité enrichissante
La danse théâtre est un univers artistique riche et puissant de par le fait qu’il s’agit par définition d’une Rencontre de l’Art du mouvement et de l’Art de la parole. Il permet réciproquement l’élévation de chacun de ces Arts : Se nourrir du savoir-faire de l’Autre nous permet de nous découvrir, nous surprendre, nous connaître en profondeur : la danse, le mouvement expriment l’inexprimable de la parole.
En pratique : Il s’agit de travailler à partir d’outils, de notions et de savoir-faire de la Danse pour redécouvrir, remettre en perspective, enrichir et aiguiser le jeu d’acteur tels que:

  • Le rapport au corps,
  • le rapport physique à la parole,
  • e rapport physique à la situation.

Ou développer de manière plus précise ses partenaires incontournables de jeu tels que :

  • Le Rythme,
  • l’Espace,
  • Les Impulsions Affectives,
  • Etre en contact physique…

Afin de développer un jeu engagé, entier, profond, puissant, instinctif et intelligent.
Toute chose et tout être en mouvement danse. La Danse-Théâtre est l’espace dans lequel nous chercherons cette et/ou ces danses qui habitent chaque interprète, chaque personnage, chaque parole : l’Acteur-Danseur.

 


 

Nabih AMARAOUI : Danseur, chorégraphe, musicien. Après sa formation au Centre National de Danse Contemporaine d’Angers, il commence sa carrière professionnelle à Tel Aviv avec Liat Dror Et Nir Ben Gal comme danseur et musicien puis rejoindra en Suisse la Cie Philippe Saire. Par la suite Il cofondera, en 2004, entre Berlin et la France, la Cie Amaraoui Burner Project en tant que danseur/chorégraphe en créant à cette occasion un premier duo ONE TO ONE. De 2004 à 2012, il est interprète essentiellement à Berlin pour Félix Ruckert, Isabelle Schad, Constanza Macras, Hyong Min Kim…. et en 2006, il travaillera en tant que danseur/comédien sur « Le Songe d’une nuit d’ été » mis en scène à la Schaubühne de Berlin avec Thomas Ostermeier. Il approfondit sa recherche sur la danse et le théâtre en co-dirigeant avec Marcel Bozonnet sur le théâtre brechtien ou encore Alexandre Del Perugia dans le cadre d’ateliers de recherche à l’ARTA. En 2011/12, il crée une nouvelle pièce pour 4 danseurs masculins THEM avec sa compagnie. 2012/13, il joue comme comédien/danseur/musicien dans Les Enfants Du Soleil, mis en scène par Mikael Serre. Durant tout son parcours professionnel à l’international, il développe un travail pédagogique depuis le corps, la Danse au service des comédiens qu’il transmet lors de Masterclass notamment à l’ARTA ainsi qu’à l’Ecole Du Jeu à Paris où il exercera différentes fonctions de 2013 à 2016.
2017, il poursuis son travail de recherche avec un groupe d’Inuits puis de Maoris, et prépare un duo Pulse en tant que musicien.

 


 

Jean-François DUSIGNE : Acteur, metteur en scène, professeur des universités en arts du spectacle, théâtre, ethnoscénologie. Il est depuis 1999, co-directeur artistique d’ARTA, Association de Recherche des Traditions de l’Acteur.
Il s’est formé à l’École internationale de mime, mouvement, théâtre de Jacques Lecoq (1979-81), au Studio classique de Christian Rist, auprès d’Andréas Voutsinas, Daniel Mesguich, et des pédagogues russes du GITIS : Natalia Zvereva, Irina Promptova, Nikolaï Karpov.
Il a été membre de la compagnie du Théâtre du Soleil d’Ariane Mnouchkine, de 1983 à 1990.
Il a ensuite poursuivi son parcours d’acteur, de metteur en scène et de pédagogue.
Parmi ses dernières créations, il a conçu et porté seul en scène Managua 78, dramaturgie réalisée à partir d’un montage de ses textes et lettres. Juin 2016, ARTA, Paris ; et été acteur-danseur dans Bhopal Blue de Brigitte Chataignier, texte de Zeno Bianu, spectacle accueilli au Théâtre du Soleil en nov-dec 2016.
Dans le cadre de creusets de recherche, il réalise des performances croisant théâtre, danse et musique, avec la collaboration de maîtres de traditions étrangères, notamment chinoises, russes, indiennes, japonaises, sud-américaines…
Il est également relaxologue et sophrologue, et mène des ateliers autour des techniques respiratoires,
Après ses travaux sur les théâtres d’art en Europe au XXème siècle, il a orienté ses recherches sur les processus créatifs et les directions d’acteurs.
Professeur à l’Université Paris 8, il y est responsable des masters.
Parmi ses principales publications : Le Théâtre d’Art, aventure européenne du XXème siècle ; Du théâtre d’art à l’art du théâtre, anthologie des textes-fondateurs ; Le Théâtre du Soleil, des traditions orientales à la modernité occidentale ; L’Acteur naissant, La passion du jeu ; Les Passeurs d’expérience, ARTA, école internationale de l’acteur ; aux éditions Théâtrales. La direction d’acteurs peut-elle s’apprendre ? ; aux éditions Les Solitaires intempestifs.
En juillet 2014, il a été promu par la Ministre de la Culture et de la communication au titre de Chevalier de l’ordre des arts et des lettres.

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L’atelier Shakespeare

de Michael Corbidge de la Royal Shakespeare Company

Stage conventionné AFDAS  (merci de nous contacter)

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PROGRAMME :

Michael Corbidge, collaborateur et successeur de Cicely Berry depuis 2014 en tant que Voice Director de la Royal Shakespeare Company et de la Central School of Speech and Drama de Londres, propose de travailler selon leur méthode mise au point pendant 45 ans.
La méthode vise à aider les acteurs du théâtre d’aujourd’hui à travailler de manière pertinente sur le répertoire en trouvant l’équilibre entre une appropriation du texte qui réponde aux attentes du 21ème siècle et la nécessité d’honorer la «mesure et la profondeur» de la langue, classique ou contemporaine, tout en générant une très grande libération imaginaire.
Par ses indications concrètes et dynamiques, Michael Corbidge invite à solliciter le corps, le souffle, le rythme et le mouvement pour une prise du rôle à bras-le-corps, à travers le repérage précis des structures complexes du discours, et de son imaginaire. Sachant trouver l’énergie propre à chaque écriture et fort de son expérience de direction d’acteurs, Michael Corbidge s’emploiera à développer un acteur très engagé aussi bien physiquement que verbalement, tout en étant capable de nuances psychologiques très subtiles.
Le travail pourra se faire dans les deux langues, français et anglais. Christina Batman, assistante interprète bilingue, assistera en permanence Micheal Corbidge.

À l’occasion du 400eme anniversaire de la naissance de William Shakespeare, Michael Corbidge propose de travailler sur les Sonnets et les suivantes pièces de l’auteur élisabéthain (versions originales ou traduites) :

  • The Winter’s Tale (Le conte d’hiver)
  • Two gentlemen of Verona (Les deux gentilshommes de Vérone)
  • Hamlet

Ces textes classiques seront mis en contraste, en relation/comparaison, avec la pièce contemporaine Rosencrantz and Guildenstertn are Dead de Tom Stoppard.

Les textes seront proposés en amont aux participants pour qu’ils puissent les préparer afin que l’histoire soit familière à tous et que chacun puisse avoir son propre point de vue de la pièce.
Aux participants au stage sera demandé de choisir et apprendre par coeur deux sonnets et deux monologues du répertoire shakespearien, comme travail en amont avant leur entrée en stage.

 

Points à développer : 

  1. La structure des paroles : comment une pensée provoque la suivante et induit l’action.
  2. Le son du langage, et comment sa texture, la combinaison voyelles-consonnes, le rythme de la scansion fait partie intégrante du sens.
  3. Le texte comme catalyseur des divers univers imaginatifs : partager le texte et libérer en même temps son « unlock » imaginaire.
  4. Explorer, concrétiser physiquement visions et images sensorielles, pour révéler le personnage.
  5. Travail sur la corporalité, l’accord corps et voix et l’animalité.

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Portrait de Femmes – Strindberg, Ibsen, Tchekhov

dirigé par Felix Alexa

Stage conventionné Afdas
90 heures de formation

 

Objectifs :

« Le choix de ces trois grands dramaturges qui ont marqué la fin du XIXe siècle, Tchekhov, Strindberg et Ibsen, pour ce stage chez ARTA, n’est pas un hasard. Leurs pièces ont marqué le théâtre moderne mais surtout elles ont influencé de manière décisive l’art de l’acteur. Le théâtre de Tchekhov, de Strindberg et d’Ibsen a imposé de nouvelles dimensions et de nouvelles nuances dans le style d’interprétation et a marqué le mode de penser du théâtre contemporain. Malgré les différences d’écriture ou de thématique, ces trois grands dramaturges ont en commun des personnages extrêmement bien définis par la force des relations qui les réunissent, mais également par la modernité et la complexité de la construction psychologique.

Le thème que j’ai choisi pour ces trois semaines de stage, « Portraits de femmes »,fait évidemment référence aux célèbres personnages féminins de Mademoiselle Julie, Hedda Gabler et La Cerisaie, mais également aux relations complexes qu’elles entretiennent avec les personnages masculins de ces textes. Des relations contorsionnées, fortes, de domination ou de soumission, poussées à l’extrême, d’une violence poétique, mais également d’un concret du détail remarquable.

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En travaillant avec un groupe d ‘acteurs pendant trois semaines, une semaine pour chaque pièce, je voudrais développer un parcours de travail à travers ces trois pièces fondamentales, en partant de ce qui les rapproche mais aussi de ce qui les différencie.

L’objectif de ce stage part du désir de confronter successivement les acteurs à des styles dramaturgiques différents, avec des constructions psychologiques alternant d’une pièce à l’autre, mais gardant cependant comme point commun du stage les « actions physiques ». Des actions qui déclenchent ou produisent des réactions psychologiques des personnages, des détails de comportement significatifs, une prolongation physiques des états émotionnels. « Le corps qui réagit » pourrait être la devise de ce stage et qui lie les personnages de ces trois grandes pièces. Un corps sensible, vulnérable, ouvert aux impulsions extérieures et générateur de subtiles actions physiques.

L’analyse sur le texte des réactions psychologiques des personnages alternera avec une partie pratique, concrète, du développent des actions physiques, révélatrices pour la situation des personnages dans une scène donnée. Je trouve très intéressante et bénéfique pour les acteurs ce passage, pendant un temps relativement court, par des modalités différentes d’approche des personnages célèbres, en essayant pour chaque auteur de créer une atmosphère qui soit, du point de vue de l’art de l’acteur, spécifique pour la pièce. »  Felix ALEXA

Plan de développement du stage

Le stage se déroulera sur trois grandes directions :

  • Exercices d’improvisation
  • Analyse détaillée du texte, suivant le développent du personnage réplique par réplique
  • Actions physiques exprimées par des détails, qui doivent concrétiser scéniquement l’état émotionnel du personnage

 

 

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Né en Roumanie il s’est diplômé à la National University of Theatre and Cinematography «L.Caragiale» à Bucarest.
Depuis 1993 il enseigne au département de mise en scène à la National University of Theatre and Cinematography «L.Caragiale» Bucarest.
Entre 1992 et 1993 il assiste Peter Brook pour la création de «Impressions de Pelleas» de Claude Debussy au théâtre des Bouffes du Nord, Paris.

En 2013 il dirige un stage autour de «La Mouette» de Anton Tchekhov au Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. Il dirige plusieurs stages internationaux, notamment à Sydney, Séoul, Pekin, Shanghai, New Delhi, Singapour.

Avec ses mises en scène il participe à de nombreux festivals, notamment Avignon, Édimbourg, Fabrica Europa, Baltic House, Solo-Moscow, Wiener Festwochen, Festival de Union’s Theatres of Europe, Sibiu, Dublin.

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Tragédie Antique. Le choc du présent

dirigé par Jean-René Lemoine.

Stage conventionné Afdas.
90 heures de formation.

L’objectif de ce stage (destiné à des comédiens professionnels et à des danseurs possédant un parcours théâtral) est de revisiter les possibles de la tragédie grecque antique, de les mettre en perspective avec le contemporain et de voir comment l’acteur, par la parole et le corps, peut trouver une forme pour raconter le monde au-delà de toute morale et de tout jugement.
Comment créer un va-et–vient entre distance et incarnation, être tour à tour (ou à la fois) récitant et personnage, donner ainsi libre court à l’émotion, à la fureur, à l’excès, puis aller vers une économie radicale, un « retrait du jeu » visant à relater, révéler les fait, leur redonnant ainsi leur monstruosité troublante, leur fragile humanité et leur capacité d’effroi ?
Comment partir du Logos, de la parole pure et restituer cette parole par l’investissement et la maîtrise corporelle, que cela passe par la complexité du mouvement chorégraphique ou par la pureté de l’ immobilité ? Comment donner un sens à chaque mot, à chaque geste et les unir pour en faire une véritable partition ?

Jean-René Lemoine Jean-René Lemoine

JEAN-RENÉ LEMOINE : Après un parcours d’acteur, Jean-René Lemoine se consacre essentiellement à l’écriture et à la mise en scène. Ses textes ont obtenu de nombreuses récompenses. Il a été lauréat de la Fondation Beaumarchais et de La Villa Médicis hors les murs.

Il a également obtenu le Grand Prix de la Critique pour la création de sa première pièce L’Ode à Scarlett O’Hara. Et récemment le prix Emile Augier de l’Académie Française pour Iphigénie. Sa pièce Erzuli Dahomey a été jouée en 2012 au Vieux Colombier par la troupe de la Comédie-Française.
Il a mis en scène en mars 2014 sa pièce Médée, poème enragé à la MC93 Bobigny ; et en avril 2014 son Iphigénie au Théâtre Apo Michanis à Athènes.
Médée, poème enragé sera repris en 2015 dans le cadre du festival « Le Standard Idéal » au Théâtre Gérard Philippe à Saint-Denis.
Jean-René Lemoine travaille également comme formateur. Il a enseigné l’art dramatique au Cours Florent et a dirigé régulièrement des ateliers pour comédiens au Théâtre de la Tempête. Il dirige aussi des ateliers à la Fémis (École nationale des métiers de l’image et du son), à l’attention des élèves scénaristes.

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Interprétation, travail de scène

stage conventionné Afdas pour comédiens professionnels
dirigé par Philippe Adrien et Dominique Boissel

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